De är kvinnor, de är svarta och de gör inte konst om det

En ny utställning på National Museum of Women in the Arts konfronterar två falska antaganden som är inbäddade i konstvärlden. För det första att kvinnor ska göra feminin konst, och för det andra att afroamerikanska konstnärer ska göra figurativ och aktivistisk konst, verk som konfronterar frågor om ras, ojämlikhet, orättvisa och den långa historien av våld mot svarta människor.

Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960s to Today fokuserar på svarta kvinnliga konstnärer som arbetar utanför eller utanför dessa dikter. Verket inkluderar eldiga abstraktioner gjorda med koagulerade oceaner av färg och delikata tryck med nyanser av rosa och raffinerat tracery. Vissa målningar brister av väggarna och dominerar utrymmet; andra intim tystnad och drar åskådaren allt närmare deras gåtfulla tillbakadragenhet. Men alla trotsar estetiska förväntningar rotade i de godtyckliga kategorierna ras och kön.

Som en introduktionsessä till showens katalog förklarar, arbetar dessa artister på en periferi av en periferi av en periferi. Var finns dessa flera periferier? I ingen speciell prioritetsordning, överväg första kön och abstraktion. Under mitten av förra seklet dominerades området av män som återupprättade 1800-talets idéer om den heroiske konstnären och känslomässiga uttrycks demoniska krafter. Kvinnor som arbetade i icke-objektiva stilar blev förbisedda, marginaliserade eller feltolkade. När de lyckades lyckas på sina egna villkor berodde det ofta på att det visuella språket de använde speglade förväntningar på deras kroppar och utförande, små, känsliga gester, dämpade färger eller repetitiva former som lugnade ögat. Det fanns givetvis undantag, men undantagen förstärkte traditionella förväntningar på det vanliga sättet att makten försvarar sig: Anklagar du oss för att utesluta eller marginalisera dig? Tja, detta ensamma exempel på motsatsen undergräver din anklagelse.

Tänk sedan på ras. Tidsramen som omfattas av denna utställning spårar konstens historia från högvattenmärket för medborgarrättsrörelsen på 1960-talet till vår egen tids Black Lives Matter-rörelse. Många av kvinnorna som ingick här stod emot dragkampen att göra konst som var uttryckligen politisk eller direkt om den svarta erfarenheten. Abstrakt konst sågs ofta i rasmässiga termer, som en elitform som utövades av vita konstnärer. Svarta konstnärer förväntades meditera över svarta idéer, med hjälp av ett visuellt språk som härrörde från idéer om de afrikanska rötterna till den afroamerikaner eller diasporaupplevelsen.

[ Nationalgalleriet tittar på 10 Vermeers i sammanhanget av konstnärens jämnåriga ]

Mildred Thompson, en av de bästa konstnärerna i denna utställning, skulle inte ha något av det. Att kopiera symboler som man inte förstår, att medvetet använda sig av en form som man inte vet hur man analyserar eller uppskattar var för mig höjden av prostitution, sa hon. Och hon var inte villig att överlåta abstraktion till elitkonstnärer: Det var kanske för att jag hade levt och studerat med 'whitey' som jag hade lärt mig att uppskatta min Blackness.

Det är ett kraftfullt uttalande om oberoende, och ett som konsekvent utmanas av kritikers, curatorers, forskare, samlare och publiks invanda vanor.

Så konsten som ingår känns påstridig, demonstrativ, rättfram och oapologetisk. Men utöver den delade känslan, finns det kopplingar mellan dessa verk? Finns det släktskap i stil eller detaljer som knyter ett enskilt verk till de 40 andra som visas? Finns det en takeaway som överskrider den enskilda artisten?

Detta är ett farligt område. När du väl börjar leta efter dessa länkar riskerar du att begränsa det som konstnärerna har försökt bevara: individualiteten och sui generis uttrycksfulla innehållet i varje verk.

julio iglesias konsertdatum 2016

Och ändå verkar det finnas spår av gemensamhet eller släktskap, särskilt i hur flera verk uttrycker en känsla av splittring eller splittring. Kanske fångar detta hur makt fungerar på oss, hur den skapar splittring inte bara mellan sociala grupper utan i vår självkänsla. Makt talar om för oss vad vi borde vara, oavsett vem vi egentligen är. Den skiljer oss från vår medfödda värdighet och sätter sitt eget pris på våra idéer, våra gåvor, våra bidrag.

I en stor och dynamisk komposition av Shinique Smith, Whirlwind Dancer, är klyvningen fysisk. Målningen tycks till en början representera ett enda, enhetligt föremål, någon form av virvel eller virvelvind som har sugit upp materialet och avfallet från ett halvt sekels målning till ett loopande, böljande uttryck av ren energi. Men det här är faktiskt två dukar sammanfogade och när du studerar den sömmen inser du att linjer eller former korsar indelningen bara på ett fåtal ställen. Denna metafor om en energi som är hel trots att den är spridd över en lucka eller spricka är kärnan i verkets kraft.

En skulptur av Barbara Chase-Riboud, vars brons- och tygsteler finns att beskåda på Michael Rosenfeld Gallery i New York i höst, är delad horisontellt, med en tygkjol som verkar bära den enorma vikten av en bronsbål. Statyn skapar en dialog som många människor känner internt, mellan en primär rädsla för att allt skulle kunna krascha och en upphetsande känsla av att vi på något sätt lyckas hålla den svävande i intethetens eter.

[ National Portrait Gallery väljer ut konstnärer att måla Obama-porträtten ]

Jennie C. Jones representeras av verk som använder akustikpaneler för att skapa klassiska, minimalistiska abstraktioner. Men de akustiska panelerna för med sig antydningar om tystnad och en dikotomi som inte är olik den som Chase-Ribouds verk antyder: Handlar dessa om tystnad, som är den duk på vilken musik skrivs och en befriande andlig kraft, eller handlingen att att tystas, vilken är den första och grundläggande maktstrategin?

Dessa dikotomier sprider sig genom hela utställningen. I ett särskilt hisnande verk, en målning utan titel från 1972-73 av Howardena Pindell, är duken täckt med små prickar i samma storlek som de små runda papperslapparna som blir över när man använder en pappersstanspress. I ett annat verk använder hon de faktiska cirkulära papperslapparna som blandas i färg för att skapa ett märkligt format självbiografiskt verk som refererar till tiden hon tillbringade i Japan. Men i den namnlösa akrylmålningen har hon minutiöst målat deras tvådimensionella spår, på en duk som innehåller ett illusionistiskt mönster av veck, som om det hela hade stoppats in i ett skåp eller lämnats liggande på golvet, ohanterat, tills imperfektioner tog form. Det är ett komplext arbete som sätter igång tankarna på en kedja av frågor - vem gjorde dessa prickar, vem stansade papperet och i vilket syfte, och vad stod skrivet på sidorna av papperet som stansades? — som i slutändan pekar på idén om text eller dokument som undanhålls oss.

Detta är frågan som makten måste konfronteras med rigoröst: Vad undanhålls oss? Denna utställning är ett praktiskt, pragmatiskt svar på frågan. Men frågan väcker naturligtvis en annan: Vad undanhåller vi oss själva?

Magnetiska fält: Expanding American Abstraction, 1960-talet till idag finns att beskåda på National Museum of Women in the Arts till och med den 21 januari. För mer information besök www.nmwa.org.