Sarah Vaughan får äntligen den biografi hon förtjänar

Tillsammans med Billie Holiday och Ella Fitzgerald är Sarah Vaughan en del av triumviratet av klassiska jazzsångare. Tillsammans lade de grunden till samtida jazzsång och bidrog till att forma all populärmusik.

Holiday har varit föremål för flera betydelsefulla biografier, och det finns åtminstone en auktoritativ bok tillägnad Fitzgerald, med en annan efterlängtad som snart följer. Men Vaughan har inte inspirerat till samma uppmärksamhet, vilket gör Drottning av Bebop , av Elaine M. Hayes, desto mer nödvändigt och spännande. Denna omfattande undersökning av Vaughans liv och verk drar nytta av Hayes tekniska kunskap om musik och hennes grundliga forskning om det historiska sammanhanget.

På sätt och vis är Queen of Bebop en missvisande titel. Det begränsar omfattningen av Vaughans musik och bokens faktiska utforskning av hennes karriär. Även om Vaughan etablerade sig som en innovativ bebop-vokalist, tillbringade hon en stor del av sitt liv med att försöka bryta sig fri från kategorins begränsningar. Hayes dokumenterar denna resa med noggranna detaljer. Efter att ha samlat en mängd material, organiserar hon sin presentation kring konceptet crossover, som ett sätt att hedra Vaughans flexibilitet som artist och bredden av hennes karriär. Efter den crossover-resan ger en solid berättelse som dokumenterar Vaughans kamp, ​​triumfer och oöverträffade framgångar som symfonisk diva, som sjunger jazz på platser som tidigare reserverats för klassisk musik och opera.

Som en körflicka i Newark vann Vaughan Apollos berömda amatörnatt och turnerade med Dizzy Gillespie, Charlie Parker och Billy Eckstine. Efter hennes framträdande i New Yorks stadshus 1947, lade kritiker märke till henne och identifierade henne som bärare av något nytt. Här fanns en sångare som, liksom sina instrumentspelande landsmän, förvandlade jazzen från swingens dominans till en komplex, abstrakt, högkonst genom bebop. För Hayes markerade detta den första fasen av Vaughans resa från dunkel till crossover.

Även om det är användbart för att organisera en linjär berättelse om Vaughans karriär, är en av de olyckliga begränsningarna med detta tillvägagångssätt en devalvering av den så kallade obskyra perioden. Bara för att Vaughan var okänd för vita fans av populärmusik betyder det inte att Vaughan försvann i dunkel. Hennes musikerskap var allmänt erkänd och uppskattad i de samhällen som mest värderade konstformen. Dessutom, som Hayes själv noterar, när Vaughan gick över, breddade hon den amerikanska publikens soniska smak och introducerade dem för allt nytt och modernt genom sin sofistikerade, avantgardistiska sång.

Vaughan, som började som pianist, tillförde sin sång kunskap om musikens underliggande harmoniska struktur. Jag är verkligen en sångerska, sa hon en gång. Jag önskar att jag kunde spela piano som jag tror, ​​men jag kan inte. Mina fingrar. Mitt sinne. Jag sjunger snabbare. Jag kan tänka vad jag tänker och sjunga den, men jag kan inte spela den. Trots dess stora möjligheter var pianot för begränsande för Vaughans snabba tänkande kreativitet. Hennes röst var det enda instrument som tillät henne att uttrycka hela omfånget, tonen och djupet av det hon hörde i sitt huvud.

Förutom sina insiktsfulla diskussioner om Vaughans tekniska geni, undersöker Queen of Bebop också de tider då hon arbetade. Vaughan, född 1924 i Newark, var ett barn av den stora migrationen och levde under Jim Crow Americas smärtsamma verklighet. Hennes föräldrar åkte norrut från Virginia på jakt efter större ekonomiska möjligheter och politisk frihet. Newark som de flyttade till hade dock en etablerad historia av rassegregation och förtryck, vilket formade Vaughans upplevelser som ung konstnär. På turnén mötte hon och hennes bandkamrater den ena indigniteten efter den andra.

Medan alla musiker som hon reste med utsattes för rasistiskt våld, mötte Vaughan också könsbaserat våld. Hennes kollegor slog henne. Det var ett högt pris att betala för inträde i pojkklubben för jazzinstrumentalister. Men dessa förhållanden både i Newark och inom Earl Hines och Billy Eckstine-banden gav Vaughan möjligheter att finslipa sina naturliga förmågor och att experimentera inom ett samhälle som uppskattade uppfinningar. Svart publik och vita jazzfans och DJ:s var centrala för att se till att en bred publik hörde henne.

Men om de samhällen som producerade Vaughan närde innovation, gjorde världen hon försökte gå in i allt annat än. Hayes gör ett särskilt bra jobb med att förklara det musikaliska landskapet i efterkrigstidens vita Amerika. I den andra fasen av hennes crossover signerade Columbia Records Vaughan och gav Mitch Miller i uppdrag att producera hennes skivor. Hayes identifierar korrekt Miller som engagerad i kommersialism. Han producerade hits för andra artister med nya låtar och stereotypa etniska låtar, en strategi som begränsade artister både svarta och vita men tillfredsställde popmusikpublikens smaker. Mitch Miller visste inte. . . hur man inte använder ras (eller etnicitet) som en nyhet, skriver Hayes. Han var i samklang med det vita, vanliga Amerika, men han kämpade för att presentera skapelser av svarta artister på ett sätt som inte var stereotypt eller reducerande.

chick fil a new york

Vaughan stod emot både Millers uppenbara kommersialism och jazzpuristernas anti-kommersialism genom att ta sin egen väg. Hon tog sin musik till platser som tidigare jazzsångare inte kunde föreställa sig. I slutet av sin karriär, särskilt med framgången med hennes tolkning av Stephen Sondheims Send in the Clowns, framstod Vaughan som en unik artist som slog ihop sin jazzgrund, sina populära musikambitioner och sin önskan om den respekt som erbjuds de stora operadivorna .

Även om Hayes med rätta fokuserar på Vaughans musik, skingrar hon inte över Vaughans långvariga smak för kokain och marijuana, eller hennes olyckliga mönster att göra hennes ofta missbrukande män till sina chefer trots deras brist på affärsmannaskap och erfarenhet. Men även om droganvändning och dåliga relationer är en realitet, dominerar de inte Hayes presentation av Vaughans liv; de tar inte ifrån det centrala och enorma i hennes talang och musikaliska bidrag. Detta är som det ska vara. Queen of Bebop modellerar ett sätt att förstå jazzmusikernas liv och artisteri - ett sätt som bekräftar deras betydelse och centrala roll i att skapa det bästa som Amerika har erbjudit världen.

Farah Jasmine Griffin är professor i engelska, jämförande litteratur och afroamerikanska studier vid Columbia University i New York.

Av Elaine M. Hayes

Varsågod. 419 s. ,99