Oscarsnominerade är mer olika än någonsin. Och det väcker fler frågor om siffror och nyanser.

Nomadland-regissören Chloé Zhao, sett 2015. (Nina Prommer / EPA-EFE / Shutterstock)

Årets rekordstora skörd av Oscarsnominerade – den mest mångsidiga skådespelaren i Academy of Motion Picture Arts and Sciences historia, såväl som första gången två kvinnor har tävlat om bästa regi – hälsades förståeligt nog som goda nyheter.

För många observatörer indikerade vattendelaren att Hollywood äntligen kan vara på väg att reformera den vita-mansdominerade kulturen som har haft makten i den vanliga amerikanska filmen i mer än ett sekel. Och det verkade avsluta en extraordinär period i underhållningsbranschen som startade 2014 och 2015, när American Civil Liberties Union och Equal Employment Opportunity Commission började undersöka studior, nätverk och byråer för systemisk (och olaglig) könsdiskriminering.

Det som följde var en kaskad av händelser – inklusive kampanjen #OscarsSoWhite, avslöjanden av genomgripande sexuella trakasserier och övergrepp från Harvey Weinstein och andra industriledare, etableringen av Time's Up och #MeToo-rörelsen och akademins engagemang för att rekrytera fler kvinnor, människor av färg och internationella medlemmar — som sätter mångfald, inkludering och rättvisa på branschens radar. Den pågående coronavirus-pandemin och protesterna mot rasism har höjt insatserna ännu högre: I september tillkännagav akademin att den skulle införa nya kriterier för att kvalificera sig för sin Oscar för bästa film 2022, designad som en morot för filmskapare som är intresserade av att göra sina produktioner mer balanserad och en pinne för dem som insisterar på att hugga till gamla, diskriminerande vanor.

De nya kriterierna inkluderar riktmärken för rollbesättning (minst en huvudkaraktär bör spelas av en skådespelare från en underrepresenterad ras eller etnisk grupp; för ensemblebesättningar bör minst 30 procent bestå av minst två av följande grupper: kvinnor, färgade personer , HBTQ-individer och personer med olika kognitiva eller fysiska förmågor). De innehåller också riktlinjer för sammansättningen av besättningar (minst två avdelningschefer bör vara från underrepresenterade grupper, varav minst en är en färgad person); öppna möjligheter till anställning och praktik; och utveckla olika målgrupper. När riktlinjerna introducerades skrev jag en krönika där jag applåderade akademin för att den konkretiserat den typ av checklista som har formats av implicita fördomar och gamla pojkklubbar i decennier. Som jag noterade vid den tiden verkade Oscarsfavoriter som BlackKkKlansman, Black Panther, Roma och Parasite båda gott för att öppna upp filmiskt berättande bortom dess historiskt skymtade gränser.

Oscarsnomineringar försöker förstå filmåret som inte var det

Men, med hänvisning till en studie utförd av Annenberg Inclusion Initiative vid University of Southern California, noterade jag att kvinnor fortfarande bara stod för en tredjedel av de talande rollerna i de 1 300 bästa filmerna som släpptes från 2007 till 2019. De är ännu knappare bakom kamera, där de utgör 4,8 procent av regissörerna, skrev jag. Ett högvattenmärke för svarta filmskapare kom 2018, men även då var de bara 13 procent av regissörerna, och deras siffror återgick till 2017 års nivåer förra året.

Det var den sista raden som föranledde ett e-postmeddelande från en läsare, som observerade att, om afroamerikaner står för cirka 13 procent av den amerikanska befolkningen, varför satte jag bara framför 2018 års statistik? Är inte den typen av proportionalitet målet?

Frågan stoppade mig i mina spår. Är exakt demografisk paritet det vi letar efter när vi pratar om mångfald och inkludering? Hur kommer vi att veta när äkta, varaktig representation har uppnåtts?

I mitt svar till e-postmeddelandet sa jag att jag inte såg demografisk likvärdighet som poängen, särskilt för att amerikanska siffror inte är särskilt användbara när du pratar om ett globalt medium. Även om vi når en punkt när 13 procent av våra filmer konsekvent är centrerade på svarta berättelser gjorda av och med svarta artister, exporteras de fortfarande till en internationell publik som inkluderar mycket större andel svarta tittare.

Ändå är frågan provocerande. För dem som har förespråkat inkludering på skärmen och bakom kulisserna, hur kommer framgången att upptäckas och mätas? Och kommer det att räcka att slå något numeriskt mål?

Madeline Di Nonno, VD och koncernchef för Geena Davis Institute on Gender in Media, anser att siffror har sin plats. När institutet – som fokuserar på bildskärmsrepresentation av kvinnor och underrepresenterade grupper – gör sin forskning, säger hon, mäter vi mot befolkningen som baslinje, med hjälp av demografisk statistik om HBTQ-befolkningen och personer med funktionsnedsättning, till exempel. Men skönlitteratur bör åtminstone uppfylla baslinjen, konstaterar hon, och sedan gå långt bortom. Färgade personer i USA är 38 procent av befolkningen. [Men] vi tittar på talang. Vi tittar på möjligheter. Och möjligheter bör ges till begåvade människor och inte, ’Nå, vi har nu 38 procent regissörer som är färgade, vi kan sluta.’ Absolut inte.

På Oscarsgalan får Geena Davis ett humanitärt pris för att hon fått Hollywood att se kvinnor som helt mänskliga

För Catherine Hardwicke (Thirteen, Twilight), som vittnade om könsdiskriminering i Hollywood under EEOC-utredningen, hjälper hårda siffror till att undvika tendensen för människor att blanda ihop uppmuntrande optik med autentisk förändring.

Du kan säga 'Hej, jag känner att det är en bra stämning, jag såg en kvinna som regisserade den filmen', men när du ser siffrorna, det är då sanningen träffar dig, sa hon under ett Women in Film and Video-event förra året . När 50 procent av filmerna är regisserade av kvinnor, när det finns 40 procent av färgade personer, då kommer vi att känna som 'Ja, det är verkligen sant', istället för bara vibben. Så jag tror på siffrorna.

Producenten DeVon Franklin, en akademiguvernör som hjälpte till att formulera de nya riktlinjerna för bästa bilder, säger att i en perfekt värld kommer dessa standarder att fasa ut sig själva, eftersom vi kommer till en plats där det är precis vad vi gör. Tills dess, säger han, kommer siffrorna att fungera mindre som konkreta mål än som en barometer för framsteg. Denna verksamhet, när det kommer till representation och inkludering, är fantastisk med avsikt. Men de är hemska vid avrättningen, säger Franklin. Det är en sak att ha uppsåt. Det är en annan sak att ha en plan som gör bra på din avsikt.

återbetalningsdatum för arbetslöshetsskatt

British Film Institute var den första organisationen som utarbetade standarder för inkludering och aktiefinansiering, som det lanserade 2016. Dess dokument har sedan dess fungerat som en mall för akademin, såväl som BAFTA-priserna, BBC och Channel 4. Melanie Hoyes , chef för industriinkludering vid BFI, säger att förutom kön, etnicitet, sexuell läggning och fysiska och intellektuella förmågor, tar BFI åtgärder för att inkludera socioekonomisk status och regional representation i sina riktlinjer, i syfte att vidga perspektivet för visuellt berättande som har generellt rotat i medel- och överklassens London och dess omgivningar.

Statistiska mätningar kan vara användbara för kommunikation, säger Hoyes. Å ena sidan vill folk veta hur bra ser ut, så man måste ge en idé.

Men, hon är snabb med att tillägga, du vill inte göra det till en prestation. Som '[Nu] är vi klara och vi behöver inte tänka på det här igen.' Det finns så mycket nyans i den idén. Om du tittar på siffror och proportionalitet skulle det vara en bra idé att våra filmer ser ut som och är gjorda av publiken som vi distribuerar dem till. Men när det gäller inkludering är det ett minimum. Det som ser bra ut är om dessa representationer på skärmen är riktigt nyanserade, om människor verkligen är integrerade i branschen, om de känner att de hör hemma, om de känner att det är en bra plats för dem att arbeta, om det är en bransch kan de komma in i och inte känna sig mobbade eller som att de inte kan komma vidare och måste lämna, eller jobba tre jobb bara för att behålla ett jobb i branschen. Det är så mycket mer än hur många människor det är.

Filmregissören Maria Giese, som var en viktig anstiftare av ACLU och federala utredningar, har varit feministisk aktivist i Hollywood sedan 2014, då hon skrev en explosiv artikel för Ms. magazine där hon konstaterade att underhållning är den värsta förövaren av titel VII anställningslagar mot diskriminering i någon amerikansk industri. Hon kastar ett lite gulligt öga på företag som Time's Up, som skapades inom Hollywood-etablissemanget för att ta itu med sexuella trakasserier och övergrepp på arbetsplatsen, och observerar att det är en av flera kollegiala insatser inom branschen som görs för att undvika rättsliga åtgärder och statlig tillsyn. Dessa hot har fungerat som ett slags tvillingsvärd av Damokles, vilket tvingar studior, nätverk och byråer att göra rätt sak efter årtionden av att förneka att det fanns ett problem.

Säg det så här, säger Giese. Om du vill skapa 50-50 kvinnliga anställningar på skärmen och bakom kulisserna pratar du om en omfördelning av jobb och pengar från män till kvinnor, och det är en mycket utmanande sak att göra — att ta resurser, jobb och sociopolitiska inflytande runt om i världen bort från ena hälften av befolkningen och ge det till den andra hälften av befolkningen. Det enda sättet att göra det är med våld.

Särskilt när det kommer till kvinnor, säger Giese, är siffrorna ett användbart och okomplicerat mått. Jag tycker att det är viktigt att kvinnor har lika anställning och representation som branschfilmare och historieberättare i det här landet, säger hon enkelt. Och det är verkligen viktigt att den 50-procentiga gruppen kvinnor representerar USA:s demografiska likvärdighet när det gäller ras, etnicitet, sexualitet och förmågor.

Ändå, om och när våra filmer äntligen når en proportionell representationsnivå, är det en helt annan fråga om de kommer att återspegla våra otaliga verkligheter. Filmskaparen och filmprofessorn Nina Menkes från California Institute of the Arts regisserar en dokumentär med titeln Brainwashed, där hon utforskar hur sexismen har infiltrerat filmgrammatiken, från hur kvinnor lyser och fotograferas på olika sätt till hur man klipper upp dem i så många erotiserade kroppsdelar. . (Giese är en medproducent till filmen, som kommer senare i år.) Det förhållningssättet till shotdesign är förknippat med sexuella trakasserier, övergrepp och anställningsdiskriminering inom filmindustrin i en djävulsknut, säger Menkes. Och maktens privilegium är limmet som håller ihop den knuten.

Att reducera kvinnor till föremål för glamour och sexuell tillfredsställelse, tillägger Menkes, har blivit så normaliserat att vi inte ens märker det. Och kvinnliga filmskapare kan vara lika benägna till praktiken som män, oavsett om det är Sofia Coppola som dröjer över Scarlett Johansson i sina underkläder i öppningssekvensen av Lost in Translation eller en filmstudent som reflexmässigt panorerar över en kvinnlig karaktärs kropp utan någon urskiljbar anledning.

Mer än bara siffror kommer det att vara genom själva filmernas symbolspråk som förändringen kommer att bli mest urskiljbar och meningsfull, insisterar Menkes. Hon pekar på Eliza Hittmans Never Rarely Sometimes Always – ett intensivt, naturalistiskt drama om en ung kvinna som söker abort i New York med hjälp av sin kusin – som ett exempel på en kvinnlig regissör som går hela vägen för att förkasta det traditionella filmperspektivet. Hon visar sexualiteten hos den mycket vackra kusinen och hur hon trakasseras av en kille och motvilligt använder sin överklagande - men Hittman håller oss alltid inom de två tjejernas perspektiv, förklarar Menkes. Vi får inte den manliga blicken på de där tjejerna. Och hon snyggar inte upp historien, hon gör den inte tilltalande.

Och hon ser tecken på hopp i de Oscar-nominerade regissörerna Emerald Fennells och Chloé Zhaos arbete. Hon kallar nomineringen av Fennells lovande unga kvinna häpnadsväckande, och tillägger att i allmänhet skulle den typen av skildring av en kvinnas oförfalskade ilska inte vara vanlig mat.

När det gäller Zhaos Nomadland, ger Menkes filmskaparen äran för att ha motstått hypersexualiseringen och ålderismen som har plågat till och med filmer som har applåderats för sina kraftfulla kvinnliga karaktärer. På den nivån tycker jag att 'Nomadland' är banbrytande, säger Menkes och syftar på filmens huvudperson, spelad av Frances McDormand. Hon är inte en sexig brud, hon är en kvinna i 60-årsåldern, hon bär inte massor av smink - det är otroligt att den filmen ska bli en mainstream-prisutmanare.

Med andra ord: Det är så framsteg ser ut.

Oscarsnomineringar försöker förstå ett filmår som inte ens var ett år

'Spotlight' gjorde Marty Baron till en stjärna. Det gjorde honom också till min vän.