Museer vill ha 2 show u memez nu. De ska vara försiktiga.

A. Eva och Franco Mattes, Ceiling Cat, 2016. (Eva och Franco Mattes/Postmasters Gallery and Team Gallery)

SAN FRANCISCO — I slutet av utställningen Snap+Share kommer besökare på San Francisco Museum of Modern Art att se en liten katt stirra ner på dem från ett grovt utskuret rektangulärt hål i taket. Det här är Ceiling Cat, ett verk från 2016 av Eva och Franco Mattes, som har använt en taxidermikatt för att återskapa ett av Internets mest populära och ihållande memes: en bild av kattdjuret åtföljd av varianter av frasen Ceiling Cat tittar på dig . . .

Det ursprungliga Ceiling Cat-memet dök upp för mer än ett decennium sedan, med etiketten Ceiling Cat is watching you onanera. Men det har förändrats och utvecklats med onlinekulturens vanliga snabbhet. Bland de många iterationerna är Ceiling Cat som Gud skaparen, som talar i lolcat meme-översättningen av Bibeln: At start, no has lyte. En takkatt säger, jag kan haz lite? En lite wuz.

Liksom flera andra verk i föreställningen gör Mattes-skulpturen fysiskt till något som främst existerar i Internets viktlösa, substansfria miljö. Den fångar både lekfullheten i kulturen som har utvecklats kring att knäppa och dela bilder, särskilt memes, även om den antyder den mörkare sidan av övervakning och kontroll latent i våra sociala nätverk. Det är också den huvudsakliga marknadsföringsbilden för utställningen, och kanske ett av få felsteg i kureringen av denna annars tankeväckande och upplysande utställning.

vad är en colaökning

Ifall du skulle missa Ceiling Cat (som är liten och över ögonhöjd) har museet en liten lapp på väggen: Se konstverket mitt i taket i det här galleriet. Fotografier är inte bara tillåtna utan uppmuntras. Med det bryter lite kritiskt avstånd samman, och det som annars undersöktes passionerat – hur våra vanor att överföra bilder har utvecklats under det senaste och ett halvt århundradet – känns plötsligt mer som ett spel vi måste spela. Inbjudan att delta, att ta en bild av Ceiling Cat, känns inte rätt, särskilt med tanke på den grundläggande spänningen som utvecklas i denna show - mellan deltagande och konformitet.

Men självklart skulle inget museum på planeten idag genomföra en show om memes och ögonblicksbilder och sociala medier utan att förvänta sig att alla skulle Instagrama den, hashtagga den på Twitter och översvämma Facebook med selfies. Motstånd är meningslöst.

Andy Warhol sa att han ville bli en maskin. Det var han inte.

Utställningen skapad av Clément Chéroux, museets senior curator för fotografi, kopplar samman vårt nuvarande ögonblick med en längre, mer komplicerad historia av bildspridning. Det börjar på 1800-talet, med uppkomsten av vykortet, som i början av 1900-talet i Frankrike överväldigade landets postsystem med cirka 173 000 kort som skickades varje dag. På 1930-talet färdades fotografier också regelbundet genom ledningar, och trådtjänster förde in världens nyheter, inklusive krig, katastrofer och andra elände, in i våra vardagsrum, vilket kollapsade avstånd och tid så att världen verkade nästan omedelbart tillgänglig och smärtsamt intim. .

I mitten av 1900-talet gjorde färgvykort och populär fotografering världens turistikoner lika bekanta som snabbmatsställen, som cirkulerade genom otaliga miljontals färgglada bilder. Och med i utställningen är Motorola bläddertelefon, Toshiba laptop och Casio digitalkamera som den franske uppfinnaren Philippe Kahn använde för att skicka vad som förmodligen är den första mobiltelefonkamerabilden till ett stort nätverk av människor. Det korniga digitala fotografiet från 1997 av hans dotter, född bara några minuter tidigare, togs emot av en publik på cirka 2 000 personer.

Vad förändrades egentligen med denna revolution inom bildskapande, som gjorde bilder omedelbart tillgängliga för tusentals, eller nu miljarder, människor? På många sätt ingenting. Människor har skickat bilder via posten nästan sedan fotografiets uppfinning, och vi har distribuerat bilder på oss själva långt innan ordet selfie uppfanns. Peter J. Cohen, en samlare som har fokuserat på ögonblicksbilder och folkliga fotografier, har sammanställt ett brett och varierat utbud av bilder där människor har skrivit ordet mig bredvid ett fotografi, förmodligen av sig själva. Dessa sträcker sig över decennier av svart-vit fotografi och antyder en ihållande och föga överraskande konsekvens i vårt förhållande till fotografier: Vi använder dem för att hävda vår existens, för att markera vår plats i världen. Det har inte förändrats även när sättet att skapa och distribuera bilder har utvecklats.

Artister upptäckte inte heller idéer om sociala nätverk och cirkulerande bilder med uppfinningen av Facebook och andra sociala utrymmen online. Mail art-rörelsen, där konstnärer använder posten för att skapa cirkulationsmönster oberoende av traditionella museer eller gallerier, och bjuder in till bildskapande i samarbete, är länge före vår 2000-talsvärld med snap-and-share. Några av de mest visuellt stämningsfulla verken i showen är av den tyske konstnären Thomas Bachler, som skapade små hålkameror i kartonger och skickade dem genom det tyska postsystemet, där de passivt spelade in spektrala och oavsiktliga fotografier. De är hemskt vackra och ser lite ut som medicinska bilder, suddiga och gråa med konstiga rör och linjer och trådar av till synes organiskt material som löper genom dem.

destiny usa semestertider 2017

Men på andra sätt är förändringen enorm och så genomgripande att det nästan är omöjligt att ta reda på den. Erik Kessels välkända installationsverk 24HRS in Photos är gjord av gigantiska högar av tryckta fotografier från 24 timmars uppladdningar på sociala medier. Den har byggts om för den här utställningen och skapat ett rum fullt av bilder som hopats på golvet och klättrar upp på väggarna. Det verkar illavarslande till en början, en varning för den stora syndafloden av bilder som möjliggörs av mobiltelefonkameror och digital fotografering. Men det är också märkligt charmigt, med fotografierna som vägrar att vara skräp, och drar ens ögon till vackra människor, soliga stränder, barn som leker och allt det övriga livet som vi aldrig slutar att dokumentera och exponera.

Tintoretto, briljant, innovativ och sublimt konstig

Det är inte bara volymen av bilder som har förändrats. Människor, särskilt unga människor, talar eller samtalar nu i bilder och skickar bilder istället för ord för att uttrycka sina tankar och känslor. Och det finns en växande medvetenhet om hur vårt beroende av smartphones blir patologiskt, ett beroende som sprider uppmärksamhet och försämrar vårt förhållande till riktiga saker och riktiga människor. Konstnären Kate Hollenbach antyder de psykologiska förändringarna detta medför i ett videoverk som heter phonelovesyoutoo, där hon riggade sin telefon för att spela in video av henne när hon ägnade sig åt den, för att kolla e-post eller surfa på webben eller använda dess GPS-funktion. Resultatet är en matris av små videor av samma ansikte, i ljusa och mörka utrymmen, morgon, middag och kväll, i sängen, på gatan, gå genom byggnader, en självpåtagen form av omvänd övervakning. Den känslomässiga valensen i detta rumsstora rutnät av bilder är en av nervositet, oro, rastlös, oriktad energi och dissonans.

Sedan är det Ceiling Cat, som kommer direkt efter Hollenbachs suggestiva video. Det är en bra konversationsstartare för museivärlden, ett sätt att tänka på farorna och möjligheterna i utställningar som den här. Konstmuseer är precis den sortens institutioner som kan hantera ett brett, komplicerat ämne som Snap+Share, som inte bara involverar förändringar av visuell kultur, utan också sociala, tekniska och psykologiska förändringar.

Men det finns alltid en fara att bli för insnärjd i ämnet. Kulturinstitutioner längtar efter den typ av energi som verkar flöda genom Internets kretsar. De längtar efter publiken som har vuxit upp med dessa system för bildskapande och distribution, och de längtar efter pengar från människor vars förmögenheter gjordes i den digitala guldrushen. Det finns också en tendens, inte ovanlig bland museiproffs, att se på världen som utforskas i shower som Snap+Share som framtiden, och eftersom alla vill tillhöra framtiden, finns det ett slags tyst stöd för tekniken, vilket ger med det ett underförstått stöd av branschen bakom.

Det är en liten sak, men den här utställningen hade varit starkare om den inte hade bjudit in publiken att delta. Ceiling Cat, som ett konstverk, är en inbjudan att tänka. Men genom att bjuda in besökare att dematerialisera Ceiling Cat-skulpturen tillbaka till ett internetmeme, tycks curatorn säga: Det här var riktigt roligt. Showens kritiska lösryckning ersätts med coos och fniss och feel-good-vibbar. Utställningen balanserar på ett smart sätt historisk observation av ett gammalt fenomen – vårt behov av att göra vår närvaro i världen känd för andra – med klarsynta observationer om hur teknologin förändrar vårt inre liv och våra sociala relationer. Men med Ceiling Cat och andra inbjudningar att ta bilder och skicka ut dem till världen, viker showen i slutet av det magiska tänkandet med vilket vi håller vår oro för sociala mediekultur på avstånd: Det är ofarligt om vi bara behandlar det en lite ironiskt nog.

En verkligt radikal show skulle inte släppa oss så lätt. Det skulle ha krävt att människor lämnade bakom sig impulsen att snappa och dela tillräckligt länge för att utforska vad snap and share gör med oss.

Snap+Dela Till och med 4 augusti på San Francisco Museum of Modern Art. sfmoma.org .

Robert Mapplethorpes oskuld

'Ivanka Vacuuming' kommer under den första dotterns hud

google chrome YouTube-videor spelas inte upp

När konstnärer fann mening i myter och monster