'Civil War and American Art' sätter striden i bakgrunden

De största och mest dramatiska målningarna i The Civil War och American Art har inget särskilt krigiskt i sig, inga kanoner eller vapenrök eller bajonetter som glittrar i morgonsolen. Snarare finns det landskap, bergsvyer, kustidyller och utsikt över natthimlen. Till och med några av de explicit militära scenerna, som en duk från 1862 som visar soldater samlade för att höra söndagsböner, handlar mer om gräset, träden och en avlägsen, böljande flod än det är en berättelse om mänsklig tro, rädsla och den brinnande ugnen.

Krig är inte frånvarande i den här nya utställningen på Smithsonian American Art Museum, men det är inte alltid i förgrunden. Utställningen räknas som den enda stora utställningen (under denna förlängda säsong av inbördeskrigsjubileum) för att undersöka kriget och dess inverkan på konsten. Utställningen inkluderar välbekanta målningar av Winslow Homer som visar soldater i aktion, och det finns ett helt galleri ägnat åt den begynnande konsten av fotografi, som förde hem blodbadet med sådan kraft att det för alltid krossade uråldriga idéer om oskyldig, manlig ära.

Men fokus, och argumentet, handlar om mer subtila förändringar i konsten, detekterbara i landskaps- och släktmåleri, ofta genom implikation och förslag snarare än rak skildring. Så de sänkande grå molnen som bär ner från toppen av Martin Johnson Heades vy från 1859 av två båtar på en lugn vik är ett tecken på krig, liksom de döda träden och karga förgrunden av Sanford Robinson Giffords 1861 Twilight in the Catskills. En vy av en fridfull parkmiljö som heter Richmond Hill, nära London, målad av Jasper Francis Cropsey 1862-63, är en expats subtila referens till ett annat Richmond, i Virginia, då konfederationens huvudstad.

Skeptikern kan hävda att inte varje antydan till oro i ett landskap är ett bevis på att konstnären tänkte på krig. Men i utställningens katalogessäer visar intendent Eleanor Jones Harvey övertygande att konstnärer under åren före och under inbördeskriget utvecklade ett distinkt visuellt språk för att representera nationell ångest och trauma, och de använde det i landskapet i synnerhet för att det var konsten. som bäst representerade amerikansk identitet, ambition och moraliskt syfte. Precis som västernfilmerna från mitten av 1900-talets Hollywood kan bära en anmärkningsvärd mängd allegorisk och tolkningsmässig tyngd, fraktades landskapen under mitten av 1800-talet med nationella teman.

värdet av ett evigt stämpel 2019

Landskapet frodades inte bara för att amerikanerna fascinerades av storslagna vyer och analogiserade öppet territorium till oändliga möjligheter, utan också av historiska skäl. Gå in i rotundan i USA:s huvudstad och du ser allvarliga försök (av en tidigare generation konstnärer) att förena amerikanska teman med det storslagna sättet för europeiskt historiemåleri, inklusive John Trumbulls klassiker Självständighetsförklaring . Men även de bästa av dessa målningar, enorma, formella och högst iscensatta, känns lite besvärliga för en halvdan demokrati. Och ibland, som i John Gadsby Chapmans Pocahontas dop , resultaten är löjliga, pretentiösa och olämpliga.

Historiemålning var ur modet i USA när inbördeskriget var på väg, och ännu värre, fotografi växte fram med en kraft och precision av representation som skulle tömma många av de heroiska anspråk som historiemålningen var baserad på. Utställningen inkluderar flera av Alexander Gardners inbördeskrigsscener, inklusive konfedererade döda som spretar utmed en väg och staket vid Antietam från den 19 september 1862, och hans syn på krigsdöda i Antietams Dunker Church, gjord samma dag. I dessa, och ännu mer framträdande i andra fotografier av krigets efterdyningar, har liken svällt upp, och de ligger i oordnade rader, ofta med sina kroppar groteskt förkortade av bildens vinkel.

Män dog inte som de gjorde i en Trumbull-målning, som general John Warren på Bunker Hill, elegant i sin vita uniform och omgiven av heroiska försvarare fångad i ett filmiskt, häftigt drama. De tappade och ruttnade och, som fångade i John Reekies fotografi av A Burial Party, Cold Harbor, fanns det lite kvar än trasor och ben när de fick vad som då kallades en anständig begravning.

Amerikaner skulle inte tolerera ärligheten i dessa fotografier idag, när många av antagandena om krig och rätt och fel som höll makten i historiens målningsålder återuppstår i vår nya tid av sanerade, politiserade, krig på distans , där den ena sidan alltid är heroisk och den andra förciviliserade utövare av terrorism.

Men fotografierna från inbördeskriget demonterade heroiska antaganden, inte bara genom att visa krigets hemska sanning, utan genom att förändra hur vi såg ut. Gardners tryck mäter ofta inte mer än tre gånger fyra tum, och när de ses i det formatet drar de ögat in i ett snår av grå information, ett röra av träd och lemmar och människor och staket som är raka motsatsen till muren -stora stridsscener som hänförde den europeiska publiken i århundraden. Istället för att inspirera vördnad och överväldigande med färgens rena sensualitet, krävde fotografiets skala uppmärksamhet och fokus, vilket förvandlade upplevelsen av bilden till något som liknar vad en vetenskapsman gör i ett laboratorium.

när får jag min nästa stimulanskontroll

I åtminstone ett fall finns det en antydan om fotografiets inflytande på målarens teknik under dessa år. Homer Dodge Martins Järngruvan, Port Henry, New York , är ett annat landskap laddat med subtila förslag på den avlägsna striden. Gruvan är ett litet hål halvvägs upp på en sönderfallande sluttning, varifrån skräp och spillror rinner ut och ner till den lugna, glasiga ytan av en sjö. Järn från dessa gruvor, nära Lake George, användes för att tillverka Parrott-vapen, en stapelvara i artilleri som används av unionen.

Men Martins bild kopplar inte bara ihop ett sårat landskap med krigets förstörelse, den fångar också tätheten av data och den upptagna förvirringen av fotografiet på färgnivå. Den sönderfallande bruna jorden är minutiöst men frenetiskt återgiven, inte med vad vi kan kalla fotografisk realism, utan med vad som då kan ha verkat vara fotografisk textur. Effekten är nästan obehaglig och overklig.

Utställningen omfattar 75 verk, och många av dem kommer att vara bekanta för elever i amerikansk 1800-talsmåleri. Winslow Homer, som såg kriget i första hand och översatte sina intryck och skisser till nu ikoniska målningar, inklusive The Sharpshooter och Defiance: Inviting a Shot Before Petersburg, är starkt representerad. Av de konstnärer som valde att fånga själva kriget var Homer den mest kompetenta, men figurmålning var inte hans starka sida och man blir glad varje gång skuggan av en hatt eller ett vridet huvud undanröjer behovet av att avbilda ett ansikte.

Kriget ses mer grovt men konstlöst i de små men väl observerade målningarna av Conrad Wise Chapman, den sällsynta konfedererade konstnären med till och med minimal kompetens. Chapman fångade vad han såg som äran och vad som snart var vraket av sydstaternas militära ambitioner i och runt Charleston, SC Kompositionerna är statiska, med enstaka påminnelser om slavnärvaron i form av inerta afroamerikanska figurer som håller i hästar eller sköter vita människors underliga behov.

Unionen skulle använda Parrott-vapen, gjorda av järn från gruvor som den som avbildas i Martins bild av Upstate New York, för att bombardera Chapmans älskade Charleston och dess hamnbefästningar. Under hela denna utställning slås man av hur ett inbördeskrig både bryter och skapar förbindelser, förenar människor i misär om de delar dem i allt annat. Det förde män ut ur sina hem och in i stridens friluftsteater, och kopplade dem till landskapet i en mycket verklig, omedelbar mening. Det förde också många nordbor i deras första varaktiga kontakt med afroamerikaner, vars förslavning var orsaken till kriget.

Några av de mest oroande och fascinerande bilderna fångar rasångest både under och efter kriget, när amerikaner konfronterade efterdyningarna av slaveriet och den okända inverkan det skulle få på kulturlivet. En målning från 1864 av Eastman Johnson (som framstår som en seriös och fascinerande konstnär i denna utställning) visar en bekvämt välbärgad vit familj i en lyxig salong. En ung pojke leker med en minstreldocka och gör denna representation av en afroamerikansk dans på en bit styvt papper eller trä som hålls vid kanten av ett bord för att skapa ett stup. Ett oskyldigt spel utspelat över tomrummet i en okänd framtid har hela familjen fascinerat, när skymningen verkar samlas utanför fönstret.

amerikansk idol-deltagare med cystisk fibros

Utställningen är inte tillräckligt stor för att täcka alla teman. Argumentet om landskap är grundligt och kanske kan göras mer kortfattat och lämnar utrymme för andra tangenter. Någon representation av historiemålningens försämrade tillstånd skulle hjälpa. Katalogen innehåller en reproduktion av Everett B.D. Fabrino Julios ökända The Last Meeting, en målning av Robert E. Lee och Stonewall Jackson strax före den senares död.

Hånade grundligt och väl av Mark Twain, och en favoritkälla för nöjen för besökare på Konfederationens museum , som äger den, skulle The Last Meeting mycket tydligt göra anledningen till varför seriösa målare vände sig bort från historiemålning. En dålig målning kan sätta många bra i perspektiv. Men det ingår inte, och inte heller något annat liknande arbete.

Försoning, som börjar dyka upp som ett tema i målningar långt innan kriget var över, behandlas bara med blickar. Målningar som Jervis McEntees 1862 The Fire of Leaves ser två barn klädda i kläder som frammanar unionens och konfederationens uniformer, sittande tillsammans i ett mörkt och lynnigt landskap. Målad före George Cochran Lambdins 1865 The Consecration (syns inte i utställningen, men en kraftfull fantasi om union och konfedererade försoning), McEntees målning visar hur djupt en för tidig fantasi om återförening byggdes in i kriget, vilket gjorde det svårt att utrota det kulturella toxin av slaveri och förbittring i söder under återuppbyggnaden.

Temat att återgå till det normala dyker också upp i landskapet och utställningen avslutas med ännu fler gigantiska landskapsbilder. Visuellt är det ett trevligt budskap, och det kommer att föreslå att man uppmärksammar besökarna på ett tema som utforskats i katalogen men som inte är uppenbart från utställningen: i vilken utsträckning skapande och bevarande av landskap, i form av nationalparker och fantasilandskapen i våra stadsreservat, blev fokus för många av de energier som animerades av landskapsmåleriet före kriget.

weed detox drink som fungerar

Men tonen är inte helt rätt. Återuppbyggnaden misslyckades, och dess misslyckande medförde åtminstone ytterligare ett århundrade av misär för många afroamerikaner.

Kanske en antydan om krigets mytologi vid halvårsjubileet, eller något kort klipp från kriget från 1915 års film Birth of Nation, eller någon påminnelse om panoramamålningarna som gjorde kriget till underhållning för uttråkade, okunniga och tomgång i slutet av 1800-talet, skulle hjälpa. Det skulle flytta tyngdpunkten från konst till historia, vilket curatorn rimligen kan motstå. Men det skulle påminna oss om det onda och det fula från denna period, som utan tvekan har varat längre och haft större genomslagskraft än konstnärernas mer nyanserade ansträngningar att fånga de subtila spåren av krig i de fascinerande bilderna i denna utställning.

Inbördeskriget och amerikansk konst

visas till och med den 28 april på Smithsonian American Art Museum, Eighth and F streets NW. För mer information besök americanart.si.edu .